熊谷雲炎／Unen Kumagai 「間（あわい）- transliterated and italicized 」

タイトル：間（あわい）- transliterated and italicized 制作年：2024年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×330㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「透けるかたち - Translucent Forms 」

タイトル：透けるかたち - Translucent Forms 制作年：2024年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×330㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「ひとひらのあわい - A Fragment of the In-Between 」

タイトル：ひとひらのあわい - A Fragment of the In-Between 制作年：2024年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×330㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「幾何学的人間 - Geometric Being」

タイトル：幾何学的人間 - Geometric Being 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「白と黒の考古学 - Archaeology in Black and White」

タイトル：白と黒の考古学 - Archaeology in Black and White 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「痕跡 - Traces」

タイトル：痕跡 - Traces 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「断片化された夢 - Fractured Dream」

タイトル：断片化された夢 - Fractured Dream 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「眠る構造 - Sleeping Structure」

タイトル：眠る構造 - Sleeping Structure 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「記憶の層 - Layers of Memory」

タイトル：記憶の層 - Layers of Memory 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「記憶の層 - Layers of Memory」

タイトル：記憶の層 - Layers of Memory 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「記憶の層 - Layers of Memory」

タイトル：記憶の層 - Layers of Memory 制作年：2025年 素材：画箋紙、墨、煤、蝋、雲母 サイズ：330×240㎜ 現代書家の熊谷雲炎（Unen Kumagai）は、書家として長年向き合ってきた「文字」を制作の背景に、「書」をメディアとして用い、言語の意味性から解き放たれた純粋な形象としての文字を探求しています。熊谷は、意味になる前の感情や記憶が揺らぐ領域を、書を通してすくい上げ、書かれた内容そのものではなく「書くという行為」に宿る痕跡に重きを置き、書を記録や伝達のためではなく、「問いを残す器」として現出させます。 文字が生まれて以降、人類はひたすら記録を蓄積し、今、世界のどこからでもインターネットを使いその蓄積されたビックデータへアクセスできるようになりました。しかし、時間を超えて事象を記録する文字を人間が手に入れてから、果たして人間自身どれほど変われたのか、もしくは変わってしまったのか、 人と文字の関係、人間そのものへの再考を迫ります。 Statement 「Beyond the Time」は、生と死の狭間に存在する時間とその先にあるものを見つめる試みです。 時の流れは私たちを生へと引き戻し、また、死へと導く。その繰り返しの中で、「人」は過去と未来に揺らぎながらも、確かにこの瞬間を生きています。 この作品は、「生」と「死」がくっきりと分かたれる瞬間よりも、その間に存在する曖昧で連続的な時間を表現しています。 筆を通して書かれる線は、刻一刻と移ろう「今」を写しとると同時に、まだ訪れぬ「未来」へとつながる道でもあります。その線の重なりやゆらめきは、生と死が隔てられず交わる場所、言葉では表せない領域を映し出すものです。 この作品を通して、時間の束縛を越えたところにある「在ること」の静寂や、時間の流れが失われた時に感じられる永遠の一瞬に、鑑賞者がふと触れる機会を提供できればと願っています。 熊谷雲炎／Unen Kumagai 1965年 東京都生まれ。7歳から書道を始め19歳で師範取得。2016年CACA現代アート書作家協会にて7年間活動。2021年よりART SHODO CONTEMPORARYに参加。 < 近年の主な個展 > 2024「人間と人間の間（あわい）」 gallery neo_/Senshu (茨城) 2023 「person in the eyes」 雨引山楽法寺 (雨引観音) (茨城) 「person in the eyes」 渋谷ヒカリエ、aiiima creative lounge MOV (東京) < 近年の主なグループ展 > 2023 「日台書法交流展2023ー東アジアアート書道最前線ー」 松宮書法館 (滋賀) 「SHODO NEXT STAGE」 伊勢丹浦和店 (埼玉) 「ART SHODO EDGE」 GALLERY SCENA (東京) 2022 「Tokyo Shodo Week」 三鷹市芸術文化センター (東京) 「YOKOHAMA SHODO ART Fair」 Hideharu Fukasaku Gallery & Museum (神奈川) 「書家による抽象表現展VI」 ギャルリー志門 (東京) 2017 「パメラン・ウォール展示vol.1」 ARCUS PROJECT (茨城)

上根拓馬／TAKUMA KAMINE 「Project Daidarabochi ボッチno01～no54」

タイトル : Project Daidarabochi ボッチno01～no54 制作年 : 2025年 サイズ : 30cm×14cm×28cm 素材 : 水性FRP樹脂,レジンキャスト,PET樹脂 上根拓馬 1978年 大阪府生まれ 2002年 東京造形大学美術学科絵画専攻卒業 主なグループ展 2017年 「Kyoto Art for Tomorrow－京都府新鋭選抜展2017」 京都文化博物館,京都 2018年 「Shanghai, In the rain」 Sune art gallery, 上海 「神戸アートマルシェ2018」　神戸メリケンパークオリエンタルホテル13F,神戸 2019年 「ART FAIR PHILIPPINES 2019」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「Citizen Art Shanghai Art Fair」 Sune art gallery, 上海 「VOLTA BASEL 2019」 秋華洞ギャラリー, バーゼル 2020年 「ONE ART Taipei 2020」 秋華洞ギャラリー, 台北 「ART FAIR PHILIPPINES 2020」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「奇想・快想 KISO・KAISO」 秋華洞ギャラリー, 東京 「キリンの首 -首を長くして待つ-」 Sune art gallery, 東京 「つくば北条アートプロジェクト 2020pilot版 矢中の杜」 矢中の杜, つくば 2021年 「むかしむかし、あるところに」 秋華洞ギャラリー, 東京 「7人の眼　-In the near future」 Bunkamura Gallery, 東京 2022年 「TACP(つくばアートサイクルプロジェクト)」 つくば 「ものがたりの予感」 群馬県立館林美術館, 群馬 「art stage OSAKA 2022」 Sune art gallery, 大阪 「D-art,ART 2022」 FAT Collection, 大阪 2023年 「art stage OSAKA 2023」 FAT Collection, 大阪 「第3回オオサカアートフェスHANSHIN」 秋華洞ギャラリー, 大阪 2024年 「i n o r i 祈りのカタチ」 Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX 個展 2019年 「Takuma Kamine – MYO-O IN THE SHELL – 」 The Japan Foundation LA/国際交流基金LA 2022年 「Marici」 co-en イベントスペース,つくば 2023年 「上根拓馬展 世界はエレメントに満ちている」 Earth + Gallery,東京 2025年 「上根拓馬展 (仮)」 Earth + Gallery,東京 コレクション LACMA ( ロサンゼルス・カウンティ・ミュージアム ) 富岡市立美術博物館 群馬県立館林美術館 TAKUMA KAMINE 1978 Born in Osaka 2002 Graduated from Tokyo Zokei University, Department of Fine Arts, Painting Selected Group Exhibitions 2017 “Kyoto Art for Tomorrow - Kyoto Prefecture Selected New Artists 2017” The Museum of Kyoto, Kyoto 2018 “Shanghai, In the rain” Sune art gallery, Shanghai “Kobe Art Marché 2018” Kobe Meriken Park Oriental Hotel 13F, Kobe 2019 “ART FAIR PHILIPPINES 2019” Akikado Gallery, Manila “Citizen Art Shanghai Art Fair” Sune art gallery, Shanghai “VOLTA BASEL 2019” Akikado gallery, Basel 2020 “ONE ART Taipei 2020” Shihua-dong Gallery, Taipei “ART FAIR PHILIPPINES 2020” Shihua-dong Gallery, Manila “KISO/KAISO” Shihua-dong Gallery, Tokyo “Giraffe's Head - Waiting Long for the Head” Sune Sune art gallery, Tokyo “Tsukuba Hojo Art Project 2020pilot Edition” Yanaka no Mori, Tsukuba 2021 “Once upon a time, once upon a time” Shikado Gallery, Tokyo “Seven eyes -In the near future” Bunkamura Gallery, Tokyo 2022 TACP (Tsukuba Art Cycle Project)“, Tsukuba, Tsukuba, Japan ”The premonition of a story“, Gunma Museum of Art, Gunma, Japan ”art stage OSAKA 2022“, Sune art gallery, Osaka, Japan ”D-art,ART 2022“, FAT Collection, Osaka, Japan 2023 ”art stage OSAKA 2023“ FAT Collection, Osaka, Japan ”The 3rd Osaka Art Fest HANSHIN“ Shikado Gallery, Osaka, Japan 2024 ”Inori Prayer" Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX Solo Exhibition 2019 “Takuma Kamine - MYO-O IN THE SHELL -” The Japan Foundation LA/Japan Foundation LA 2022 ‘Marici’ co-en event space,Tsukuba 2023 "Takuma Kamine: The World is Full of Elements“ Earth + Gallery, Tokyo, Japan 2025 ”Takuma Kamine (tentative)" Earth + Gallery, Tokyo, Japan Collection LACMA ( Los Angeles County Museum of Art ) Tomioka City Museum of Art Gunma Museum of Art Tatebayashi

上根拓馬／TAKUMA KAMINE 「The Devas 月天 2025 ver.」

タイトル : The Devas 月天 2025 ver. 制作年 : 2025年 サイズ : 16cm×16cm×32cm 素材 : FRP樹脂,エポキシ樹脂,アクリル樹脂,真鍮,ガラス 上根拓馬 1978年 大阪府生まれ 2002年 東京造形大学美術学科絵画専攻卒業 主なグループ展 2017年 「Kyoto Art for Tomorrow－京都府新鋭選抜展2017」 京都文化博物館,京都 2018年 「Shanghai, In the rain」 Sune art gallery, 上海 「神戸アートマルシェ2018」　神戸メリケンパークオリエンタルホテル13F,神戸 2019年 「ART FAIR PHILIPPINES 2019」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「Citizen Art Shanghai Art Fair」 Sune art gallery, 上海 「VOLTA BASEL 2019」 秋華洞ギャラリー, バーゼル 2020年 「ONE ART Taipei 2020」 秋華洞ギャラリー, 台北 「ART FAIR PHILIPPINES 2020」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「奇想・快想 KISO・KAISO」 秋華洞ギャラリー, 東京 「キリンの首 -首を長くして待つ-」 Sune art gallery, 東京 「つくば北条アートプロジェクト 2020pilot版 矢中の杜」 矢中の杜, つくば 2021年 「むかしむかし、あるところに」 秋華洞ギャラリー, 東京 「7人の眼　-In the near future」 Bunkamura Gallery, 東京 2022年 「TACP(つくばアートサイクルプロジェクト)」 つくば 「ものがたりの予感」 群馬県立館林美術館, 群馬 「art stage OSAKA 2022」 Sune art gallery, 大阪 「D-art,ART 2022」 FAT Collection, 大阪 2023年 「art stage OSAKA 2023」 FAT Collection, 大阪 「第3回オオサカアートフェスHANSHIN」 秋華洞ギャラリー, 大阪 2024年 「i n o r i 祈りのカタチ」 Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX 個展 2019年 「Takuma Kamine – MYO-O IN THE SHELL – 」 The Japan Foundation LA/国際交流基金LA 2022年 「Marici」 co-en イベントスペース,つくば 2023年 「上根拓馬展 世界はエレメントに満ちている」 Earth + Gallery,東京 2025年 「上根拓馬展 (仮)」 Earth + Gallery,東京 コレクション LACMA ( ロサンゼルス・カウンティ・ミュージアム ) 富岡市立美術博物館 群馬県立館林美術館 TAKUMA KAMINE 1978 Born in Osaka 2002 Graduated from Tokyo Zokei University, Department of Fine Arts, Painting Selected Group Exhibitions 2017 “Kyoto Art for Tomorrow - Kyoto Prefecture Selected New Artists 2017” The Museum of Kyoto, Kyoto 2018 “Shanghai, In the rain” Sune art gallery, Shanghai “Kobe Art Marché 2018” Kobe Meriken Park Oriental Hotel 13F, Kobe 2019 “ART FAIR PHILIPPINES 2019” Akikado Gallery, Manila “Citizen Art Shanghai Art Fair” Sune art gallery, Shanghai “VOLTA BASEL 2019” Akikado gallery, Basel 2020 “ONE ART Taipei 2020” Shihua-dong Gallery, Taipei “ART FAIR PHILIPPINES 2020” Shihua-dong Gallery, Manila “KISO/KAISO” Shihua-dong Gallery, Tokyo “Giraffe's Head - Waiting Long for the Head” Sune Sune art gallery, Tokyo “Tsukuba Hojo Art Project 2020pilot Edition” Yanaka no Mori, Tsukuba 2021 “Once upon a time, once upon a time” Shikado Gallery, Tokyo “Seven eyes -In the near future” Bunkamura Gallery, Tokyo 2022 TACP (Tsukuba Art Cycle Project)“, Tsukuba, Tsukuba, Japan ”The premonition of a story“, Gunma Museum of Art, Gunma, Japan ”art stage OSAKA 2022“, Sune art gallery, Osaka, Japan ”D-art,ART 2022“, FAT Collection, Osaka, Japan 2023 ”art stage OSAKA 2023“ FAT Collection, Osaka, Japan ”The 3rd Osaka Art Fest HANSHIN“ Shikado Gallery, Osaka, Japan 2024 ”Inori Prayer" Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX Solo Exhibition 2019 “Takuma Kamine - MYO-O IN THE SHELL -” The Japan Foundation LA/Japan Foundation LA 2022 ‘Marici’ co-en event space,Tsukuba 2023 "Takuma Kamine: The World is Full of Elements“ Earth + Gallery, Tokyo, Japan 2025 ”Takuma Kamine (tentative)" Earth + Gallery, Tokyo, Japan Collection LACMA ( Los Angeles County Museum of Art ) Tomioka City Museum of Art Gunma Museum of Art Tatebayashi

上根拓馬／TAKUMA KAMINE 「The Devas 日天 2025 ver.」

タイトル : The Devas 日天 2025 ver. 制作年 : 2025年 サイズ : 16cm×16cm×32cm 素材 : FRP樹脂,エポキシ樹脂,アクリル樹脂,真鍮,ガラス 上根拓馬 1978年 大阪府生まれ 2002年 東京造形大学美術学科絵画専攻卒業 主なグループ展 2017年 「Kyoto Art for Tomorrow－京都府新鋭選抜展2017」 京都文化博物館,京都 2018年 「Shanghai, In the rain」 Sune art gallery, 上海 「神戸アートマルシェ2018」　神戸メリケンパークオリエンタルホテル13F,神戸 2019年 「ART FAIR PHILIPPINES 2019」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「Citizen Art Shanghai Art Fair」 Sune art gallery, 上海 「VOLTA BASEL 2019」 秋華洞ギャラリー, バーゼル 2020年 「ONE ART Taipei 2020」 秋華洞ギャラリー, 台北 「ART FAIR PHILIPPINES 2020」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「奇想・快想 KISO・KAISO」 秋華洞ギャラリー, 東京 「キリンの首 -首を長くして待つ-」 Sune art gallery, 東京 「つくば北条アートプロジェクト 2020pilot版 矢中の杜」 矢中の杜, つくば 2021年 「むかしむかし、あるところに」 秋華洞ギャラリー, 東京 「7人の眼　-In the near future」 Bunkamura Gallery, 東京 2022年 「TACP(つくばアートサイクルプロジェクト)」 つくば 「ものがたりの予感」 群馬県立館林美術館, 群馬 「art stage OSAKA 2022」 Sune art gallery, 大阪 「D-art,ART 2022」 FAT Collection, 大阪 2023年 「art stage OSAKA 2023」 FAT Collection, 大阪 「第3回オオサカアートフェスHANSHIN」 秋華洞ギャラリー, 大阪 2024年 「i n o r i 祈りのカタチ」 Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX 個展 2019年 「Takuma Kamine – MYO-O IN THE SHELL – 」 The Japan Foundation LA/国際交流基金LA 2022年 「Marici」 co-en イベントスペース,つくば 2023年 「上根拓馬展 世界はエレメントに満ちている」 Earth + Gallery,東京 2025年 「上根拓馬展 (仮)」 Earth + Gallery,東京 コレクション LACMA ( ロサンゼルス・カウンティ・ミュージアム ) 富岡市立美術博物館 群馬県立館林美術館 TAKUMA KAMINE 1978 Born in Osaka 2002 Graduated from Tokyo Zokei University, Department of Fine Arts, Painting Selected Group Exhibitions 2017 “Kyoto Art for Tomorrow - Kyoto Prefecture Selected New Artists 2017” The Museum of Kyoto, Kyoto 2018 “Shanghai, In the rain” Sune art gallery, Shanghai “Kobe Art Marché 2018” Kobe Meriken Park Oriental Hotel 13F, Kobe 2019 “ART FAIR PHILIPPINES 2019” Akikado Gallery, Manila “Citizen Art Shanghai Art Fair” Sune art gallery, Shanghai “VOLTA BASEL 2019” Akikado gallery, Basel 2020 “ONE ART Taipei 2020” Shihua-dong Gallery, Taipei “ART FAIR PHILIPPINES 2020” Shihua-dong Gallery, Manila “KISO/KAISO” Shihua-dong Gallery, Tokyo “Giraffe's Head - Waiting Long for the Head” Sune Sune art gallery, Tokyo “Tsukuba Hojo Art Project 2020pilot Edition” Yanaka no Mori, Tsukuba 2021 “Once upon a time, once upon a time” Shikado Gallery, Tokyo “Seven eyes -In the near future” Bunkamura Gallery, Tokyo 2022 TACP (Tsukuba Art Cycle Project)“, Tsukuba, Tsukuba, Japan ”The premonition of a story“, Gunma Museum of Art, Gunma, Japan ”art stage OSAKA 2022“, Sune art gallery, Osaka, Japan ”D-art,ART 2022“, FAT Collection, Osaka, Japan 2023 ”art stage OSAKA 2023“ FAT Collection, Osaka, Japan ”The 3rd Osaka Art Fest HANSHIN“ Shikado Gallery, Osaka, Japan 2024 ”Inori Prayer" Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX Solo Exhibition 2019 “Takuma Kamine - MYO-O IN THE SHELL -” The Japan Foundation LA/Japan Foundation LA 2022 ‘Marici’ co-en event space,Tsukuba 2023 "Takuma Kamine: The World is Full of Elements“ Earth + Gallery, Tokyo, Japan 2025 ”Takuma Kamine (tentative)" Earth + Gallery, Tokyo, Japan Collection LACMA ( Los Angeles County Museum of Art ) Tomioka City Museum of Art Gunma Museum of Art Tatebayashi

上根拓馬／TAKUMA KAMINE 「日月宇宙天」

タイトル : 日月宇宙天 制作年 : 2025年 サイズ : 200cm×100cm×100cm 素材 : FRP樹脂,エポキシ樹脂,アクリル樹脂,レジンキャスト,木,真鍮,鉄 上根拓馬 1978年 大阪府生まれ 2002年 東京造形大学美術学科絵画専攻卒業 主なグループ展 2017年 「Kyoto Art for Tomorrow－京都府新鋭選抜展2017」 京都文化博物館,京都 2018年 「Shanghai, In the rain」 Sune art gallery, 上海 「神戸アートマルシェ2018」　神戸メリケンパークオリエンタルホテル13F,神戸 2019年 「ART FAIR PHILIPPINES 2019」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「Citizen Art Shanghai Art Fair」 Sune art gallery, 上海 「VOLTA BASEL 2019」 秋華洞ギャラリー, バーゼル 2020年 「ONE ART Taipei 2020」 秋華洞ギャラリー, 台北 「ART FAIR PHILIPPINES 2020」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「奇想・快想 KISO・KAISO」 秋華洞ギャラリー, 東京 「キリンの首 -首を長くして待つ-」 Sune art gallery, 東京 「つくば北条アートプロジェクト 2020pilot版 矢中の杜」 矢中の杜, つくば 2021年 「むかしむかし、あるところに」 秋華洞ギャラリー, 東京 「7人の眼　-In the near future」 Bunkamura Gallery, 東京 2022年 「TACP(つくばアートサイクルプロジェクト)」 つくば 「ものがたりの予感」 群馬県立館林美術館, 群馬 「art stage OSAKA 2022」 Sune art gallery, 大阪 「D-art,ART 2022」 FAT Collection, 大阪 2023年 「art stage OSAKA 2023」 FAT Collection, 大阪 「第3回オオサカアートフェスHANSHIN」 秋華洞ギャラリー, 大阪 2024年 「i n o r i 祈りのカタチ」 Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX 個展 2019年 「Takuma Kamine – MYO-O IN THE SHELL – 」 The Japan Foundation LA/国際交流基金LA 2022年 「Marici」 co-en イベントスペース,つくば 2023年 「上根拓馬展 世界はエレメントに満ちている」 Earth + Gallery,東京 2025年 「上根拓馬展 (仮)」 Earth + Gallery,東京 コレクション LACMA ( ロサンゼルス・カウンティ・ミュージアム ) 富岡市立美術博物館 群馬県立館林美術館 TAKUMA KAMINE 1978 Born in Osaka 2002 Graduated from Tokyo Zokei University, Department of Fine Arts, Painting Selected Group Exhibitions 2017 “Kyoto Art for Tomorrow - Kyoto Prefecture Selected New Artists 2017” The Museum of Kyoto, Kyoto 2018 “Shanghai, In the rain” Sune art gallery, Shanghai “Kobe Art Marché 2018” Kobe Meriken Park Oriental Hotel 13F, Kobe 2019 “ART FAIR PHILIPPINES 2019” Akikado Gallery, Manila “Citizen Art Shanghai Art Fair” Sune art gallery, Shanghai “VOLTA BASEL 2019” Akikado gallery, Basel 2020 “ONE ART Taipei 2020” Shihua-dong Gallery, Taipei “ART FAIR PHILIPPINES 2020” Shihua-dong Gallery, Manila “KISO/KAISO” Shihua-dong Gallery, Tokyo “Giraffe's Head - Waiting Long for the Head” Sune Sune art gallery, Tokyo “Tsukuba Hojo Art Project 2020pilot Edition” Yanaka no Mori, Tsukuba 2021 “Once upon a time, once upon a time” Shikado Gallery, Tokyo “Seven eyes -In the near future” Bunkamura Gallery, Tokyo 2022 TACP (Tsukuba Art Cycle Project)“, Tsukuba, Tsukuba, Japan ”The premonition of a story“, Gunma Museum of Art, Gunma, Japan ”art stage OSAKA 2022“, Sune art gallery, Osaka, Japan ”D-art,ART 2022“, FAT Collection, Osaka, Japan 2023 ”art stage OSAKA 2023“ FAT Collection, Osaka, Japan ”The 3rd Osaka Art Fest HANSHIN“ Shikado Gallery, Osaka, Japan 2024 ”Inori Prayer" Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX Solo Exhibition 2019 “Takuma Kamine - MYO-O IN THE SHELL -” The Japan Foundation LA/Japan Foundation LA 2022 ‘Marici’ co-en event space,Tsukuba 2023 "Takuma Kamine: The World is Full of Elements“ Earth + Gallery, Tokyo, Japan 2025 ”Takuma Kamine (tentative)" Earth + Gallery, Tokyo, Japan Collection LACMA ( Los Angeles County Museum of Art ) Tomioka City Museum of Art Gunma Museum of Art Tatebayashi

上根拓馬／TAKUMA KAMINE 「Project Daidarabochi」

タイトル : Project Daidarabochi 制作年 : 2025年 サイズ : 500cm×400cm×350cm 素材 : 水性FRP樹脂,マネキン腕,木材,人工芝,ゴールドプレート,映像 上根拓馬 1978年 大阪府生まれ 2002年 東京造形大学美術学科絵画専攻卒業 主なグループ展 2017年 「Kyoto Art for Tomorrow－京都府新鋭選抜展2017」 京都文化博物館,京都 2018年 「Shanghai, In the rain」 Sune art gallery, 上海 「神戸アートマルシェ2018」　神戸メリケンパークオリエンタルホテル13F,神戸 2019年 「ART FAIR PHILIPPINES 2019」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「Citizen Art Shanghai Art Fair」 Sune art gallery, 上海 「VOLTA BASEL 2019」 秋華洞ギャラリー, バーゼル 2020年 「ONE ART Taipei 2020」 秋華洞ギャラリー, 台北 「ART FAIR PHILIPPINES 2020」 秋華洞ギャラリー, マニラ 「奇想・快想 KISO・KAISO」 秋華洞ギャラリー, 東京 「キリンの首 -首を長くして待つ-」 Sune art gallery, 東京 「つくば北条アートプロジェクト 2020pilot版 矢中の杜」 矢中の杜, つくば 2021年 「むかしむかし、あるところに」 秋華洞ギャラリー, 東京 「7人の眼　-In the near future」 Bunkamura Gallery, 東京 2022年 「TACP(つくばアートサイクルプロジェクト)」 つくば 「ものがたりの予感」 群馬県立館林美術館, 群馬 「art stage OSAKA 2022」 Sune art gallery, 大阪 「D-art,ART 2022」 FAT Collection, 大阪 2023年 「art stage OSAKA 2023」 FAT Collection, 大阪 「第3回オオサカアートフェスHANSHIN」 秋華洞ギャラリー, 大阪 2024年 「i n o r i 祈りのカタチ」 Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX 個展 2019年 「Takuma Kamine – MYO-O IN THE SHELL – 」 The Japan Foundation LA/国際交流基金LA 2022年 「Marici」 co-en イベントスペース,つくば 2023年 「上根拓馬展 世界はエレメントに満ちている」 Earth + Gallery,東京 2025年 「上根拓馬展 (仮)」 Earth + Gallery,東京 コレクション LACMA ( ロサンゼルス・カウンティ・ミュージアム ) 富岡市立美術博物館 群馬県立館林美術館 TAKUMA KAMINE 1978 Born in Osaka 2002 Graduated from Tokyo Zokei University, Department of Fine Arts, Painting Selected Group Exhibitions 2017 “Kyoto Art for Tomorrow - Kyoto Prefecture Selected New Artists 2017” The Museum of Kyoto, Kyoto 2018 “Shanghai, In the rain” Sune art gallery, Shanghai “Kobe Art Marché 2018” Kobe Meriken Park Oriental Hotel 13F, Kobe 2019 “ART FAIR PHILIPPINES 2019” Akikado Gallery, Manila “Citizen Art Shanghai Art Fair” Sune art gallery, Shanghai “VOLTA BASEL 2019” Akikado gallery, Basel 2020 “ONE ART Taipei 2020” Shihua-dong Gallery, Taipei “ART FAIR PHILIPPINES 2020” Shihua-dong Gallery, Manila “KISO/KAISO” Shihua-dong Gallery, Tokyo “Giraffe's Head - Waiting Long for the Head” Sune Sune art gallery, Tokyo “Tsukuba Hojo Art Project 2020pilot Edition” Yanaka no Mori, Tsukuba 2021 “Once upon a time, once upon a time” Shikado Gallery, Tokyo “Seven eyes -In the near future” Bunkamura Gallery, Tokyo 2022 TACP (Tsukuba Art Cycle Project)“, Tsukuba, Tsukuba, Japan ”The premonition of a story“, Gunma Museum of Art, Gunma, Japan ”art stage OSAKA 2022“, Sune art gallery, Osaka, Japan ”D-art,ART 2022“, FAT Collection, Osaka, Japan 2023 ”art stage OSAKA 2023“ FAT Collection, Osaka, Japan ”The 3rd Osaka Art Fest HANSHIN“ Shikado Gallery, Osaka, Japan 2024 ”Inori Prayer" Artglorieux GALLERY OF TOKYO , GINZA SIX Solo Exhibition 2019 “Takuma Kamine - MYO-O IN THE SHELL -” The Japan Foundation LA/Japan Foundation LA 2022 ‘Marici’ co-en event space,Tsukuba 2023 "Takuma Kamine: The World is Full of Elements“ Earth + Gallery, Tokyo, Japan 2025 ”Takuma Kamine (tentative)" Earth + Gallery, Tokyo, Japan Collection LACMA ( Los Angeles County Museum of Art ) Tomioka City Museum of Art Gunma Museum of Art Tatebayashi

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「A Bodhisattva」

タイトル：Memory 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：543×392mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Memory Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 245×23.9mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unen Kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「Memory」

タイトル：Memory 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：245×23.9mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Memory Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 245×23.9mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unen Kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「Green Tara」

タイトル：Green Tara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：330×243mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Green Tara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 330×243mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unen Kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「White Tara」

タイトル：White Tara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：447×346mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : White Tara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 447×346mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unen Kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unen Kumagai 「Avalokiteshvara」

タイトル：Avalokiteshvara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：543×392mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Avalokiteshvara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 543×392mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unen Kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

三浦かおり／Kaori Miura 「物語の量を測る」/ Measure the story's quantity

タイトル：物語の量を測る 制作年　：2024 素材　　：ミクストメディア サイズ　：サイズ可変（本体 420×190×200） Title : measure the story's quantity Year of creation : 2024 Material : mixed media Size : variable size（ main body 420×190×200 ） Concept 人が物事を理解しようとするとき、物語として情報が入ってくると理解しやすくなるという。 起承転結で構成されたある程度まとまった文章にすれば、小さな物語にはなる。物語の文法にのせて吸収した情報は、実際どの程度の理解度なのか。 1冊の本を外側と内側を分けて天秤に乗せて比べてみる。タイトルも覚えていないくらい軽いか、タイトルの意味ぐらいは覚えているのか、それよりももっと印象に残っているのか。 ＊「理性的な能力は物語に依存している。物語は将来を見通し、予測し、計画を立てて説明するのに大切な方法。私たちの経験や知識、思考の大部分は物語という形で形成されている。」認知学者：マーク・ターナー/Mark Turner (Cognitive Scientist) When people try to understand things, it is easier to understand them when the information comes in the form of a story. If the story is written in a somewhat coherent manner, composed of a beginning, middle, and end, it can be a small story. How much of the story is actually understood when the information is absorbed in the grammar of a story? Separate one book from the outside and the inside and compare them on a scale. Is it so light that you can't even remember the title, or do you at least remember what the title means, or is it more impressive than that? Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 5」/ Traces of crossing boundaries 5

タイトル：境界を越えたあと 5 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 5 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 4」/ Traces of crossing boundaries 4

タイトル：境界を越えたあと 4 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 4 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)