三浦かおり／Kaori Miura 「物語の量を測る」/ Measure the story's quantity

タイトル：物語の量を測る 制作年　：2024 素材　　：ミクストメディア サイズ　：サイズ可変（本体 420×190×200） Title : measure the story's quantity Year of creation : 2024 Material : mixed media Size : variable size（ main body 420×190×200 ） Concept 人が物事を理解しようとするとき、物語として情報が入ってくると理解しやすくなるという。 起承転結で構成されたある程度まとまった文章にすれば、小さな物語にはなる。物語の文法にのせて吸収した情報は、実際どの程度の理解度なのか。 1冊の本を外側と内側を分けて天秤に乗せて比べてみる。タイトルも覚えていないくらい軽いか、タイトルの意味ぐらいは覚えているのか、それよりももっと印象に残っているのか。 ＊「理性的な能力は物語に依存している。物語は将来を見通し、予測し、計画を立てて説明するのに大切な方法。私たちの経験や知識、思考の大部分は物語という形で形成されている。」認知学者：マーク・ターナー/Mark Turner (Cognitive Scientist) When people try to understand things, it is easier to understand them when the information comes in the form of a story. If the story is written in a somewhat coherent manner, composed of a beginning, middle, and end, it can be a small story. How much of the story is actually understood when the information is absorbed in the grammar of a story? Separate one book from the outside and the inside and compare them on a scale. Is it so light that you can't even remember the title, or do you at least remember what the title means, or is it more impressive than that? Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 5」/ Traces of crossing boundaries 5

タイトル：境界を越えたあと 5 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 5 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 4」/ Traces of crossing boundaries 4

タイトル：境界を越えたあと 4 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 4 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 3」/ Traces of crossing boundaries 3

タイトル：境界を越えたあと 3 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 3 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 2」/Traces of crossing boundaries 2

タイトル：境界を越えたあと 2 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 2 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Comcept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 1」/Traces of crossing boundaries 1

タイトル：境界を越えたあと 1 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 1 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-6」/ Tall poppy syndrome 2025-6

タイトル：出る杭に光をみる 2025-6 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：273×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-6 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 273×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-3」/Tall poppy syndrome 2025-3

タイトル：出る杭に光をみる 2025-3 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：273×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-3 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 273×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-5」/Tall poppy syndrome 2025-5

タイトル：出る杭に光をみる 2025-5 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：225×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-5 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 225×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement float 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京) float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-2」/ Tall poppy syndrome 2025-2

タイトル：出る杭に光をみる 2025-2 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：149×210×20 Title : Tall poppy syndrome 2025-2 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 149×210×20 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-4」/Tall poppy syndrome 2025-4

タイトル：出る杭に光をみる 2025-4 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：149×210×20 Title : all poppy syndrome 2025-2 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 225×158×16 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-1」/Tall poppy syndrome 2025-1

タイトル：出る杭に光をみる 2025-1 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：225×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-1 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 149×210×20 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith7」

タイトル：monolith7 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith7 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith6」

タイトル：monolith6 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith6 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith5」

タイトル：monolith5 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith5 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith4」

タイトル：monolith4 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith4 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith3」

タイトル：monolith3 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith3 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith2」

タイトル：monolith2 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith2 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith」

タイトル：monolith 制作年　：2022 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith Year of creation : 2022 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Become one」

タイトル：Become one 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Become one Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Association」

タイトル：Association 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Association Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Moving away」

タイトル：Moving away 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Moving away Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Take」

タイトル：Take 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Take Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Mixed blood」

タイトル：Mixed blood 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Mixed blood Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：350㎜×470㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.