熊谷雲炎／Unyen kumagai 「A Bodhisattva」

タイトル：Memory 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：543×392mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Memory Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 245×23.9mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unyen kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Memory」

タイトル：Memory 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：245×23.9mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Memory Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 245×23.9mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unyen kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Green Tara」

タイトル：Green Tara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：330×243mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Green Tara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 330×243mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unyen kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「White Tara」

タイトル：White Tara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：447×346mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : White Tara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 447×346mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unyen kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「Avalokiteshvara」

タイトル：Avalokiteshvara 制作年　：2022 素材　　：画箋紙、煤、古墨、膠 サイズ　：543×392mm 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 熊谷雲炎「immune memory」　　2022年 感染症の流行を背景に、「免疫の記憶」と人間の曖昧な記憶の重なりに着目した書作品。 使用した言葉は「衆生無辺誓願度」。観音菩薩の慈悲の誓いを、古代の金文で表現している。 素材には、煤や古墨など、痕跡を残すものを用い、網膜に見立てたレイヤーに文字を重ねることで、無意識に沈む記憶の揺らぎを表した。 神に捧げられた古代文字と仏のかたちを重ね、日本における神仏習合を象徴。作品を逆さに展示することで、苦しみの中から学びや再生を見出す「逆菩薩」の視点を提示している。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : Avalokiteshvara Year of creation : 2022 Material ： drawing paper, soot, old ink, glue Size ： 543×392mm Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Unyen kumagai “immune memory”　　2022 This work was created in response to the global spread of infectious diseases, focusing on the concept of “immune memory” and how it parallels the uncertainty and fragility of human memory. The phrase depicted in the piece is “Shujō Muhen Seigan Do”, meaning “I vow to save all sentient beings,” one of the Four Universal Vows taken by Bodhisattvas before their spiritual practice. Kumagai expresses this vow using kinbun, an ancient form of Chinese script historically used in bronze inscriptions. Materials such as soot, old ink, and glue—substances that leave lasting traces—were selected to represent the lingering effects of memory. The surface is treated as a symbolic retina, and calligraphy is layered on top to visualize how memory resides and fluctuates deep within the unconscious mind. By combining ancient script offered to the gods with the image of a Buddha figure, the piece reflects the syncretic tradition of Shinbutsu-Shūgō—the historical blending of Shinto and Buddhist beliefs in Japan. The work is intentionally exhibited upside down to express the perspective of the “Reverse Bodhisattva,” suggesting that even in moments of pain or adversity, there is potential for insight, healing, and transformation. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

大垣美穂子／Mihoko Ogaki 「UZU #6」

タイトル　：UZU #6 制作年　　：2021 素材　　　：樹脂粘土、アクリル絵具、木 サイズ　　：27（h）×31（W）×28（d）㎝ ※立体作品は全て展示台込み 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 大垣美穂子「UZU」　　2020〜2021年 2020年から2021年にかけて、新型コロナウイルス感染症の世界的蔓延が長期化する中、制作した立体作品。 戦時中、多くの命が失われた歴史がある沖縄。その沖縄に訪れた際、砂浜に打ち上げられた珊瑚の骨に、手を触れたことが着想のきっかけとなっている。硬いブロンズではなく、しなやかな弾力性のある劇脂粘土を、指先で糸を編むように形成している。ホワイトパールに染められた小さな輪が渦巻きのように躍動し、さまざまな群体を形成する珊瑚の生命力、死者の記憶、宇宙との連なりを想起させる大垣の新たな立体シリーズである。 Title : UZU #6 Year of creation : 2021 Material ： Resin clay, acrylic paint, wood Size ： 27（h）×31（W）×28（d）㎝ *All three-dimensional works include a display stand. Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Mihoko Ogaki “UZU” 2020〜2021 This series of three-dimensional works was made as the global spread of novel coronavirus grew more protracted Okinawa's history includes the loss of countless lives during the war. And Ogaki was inspired to make these works by touching some coral skeletons that she found washed up on the beach during a trip to Okinawa. Instead of using hard bronze as a material, she chose supple and resilient polymer clay, which she shaped with her fingertips and wove together with string. The small rings, with a white-pearl color, throb like whirlpools in this new series that evokes the vitality of coral, which takes a variety of forms, memories of the departed, and a sequence of cosmic associations.

大垣美穂子／Mihoko Ogaki 「UZU #1」

大垣美穂子／Mihoko Ogaki 「UZU #1」 タイトル　：UZU #1 制作年　　：2021 素材　　　：樹脂粘土、アクリル絵具、木 サイズ　　：80（h）×80(w）×70（h）㎝ ※立体作品は全て展示台込み 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 大垣美穂子「UZU」　　2020〜2021年 2020年から2021年にかけて、新型コロナウイルス感染症の世界的蔓延が長期化する中、制作した立体作品。 戦時中、多くの命が失われた歴史がある沖縄。その沖縄に訪れた際、砂浜に打ち上げられた珊瑚の骨に、手を触れたことが着想のきっかけとなっている。硬いブロンズではなく、しなやかな弾力性のある劇脂粘土を、指先で糸を編むように形成している。ホワイトパールに染められた小さな輪が渦巻きのように躍動し、さまざまな群体を形成する珊瑚の生命力、死者の記憶、宇宙との連なりを想起させる大垣の新たな立体シリーズである。 Title : UZU #1 Year of creation : 2021 Material ： Resin clay, acrylic paint, wood Size ： 80（h）×80（w）×70（h）㎝ *All three-dimensional works include a display stand. Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Mihoko Ogaki “UZU” 2020〜2021 This series of three-dimensional works was made as the global spread of novel coronavirus grew more protracted Okinawa's history includes the loss of countless lives during the war. And Ogaki was inspired to make these works by touching some coral skeletons that she found washed up on the beach during a trip to Okinawa. Instead of using hard bronze as a material, she chose supple and resilient polymer clay, which she shaped with her fingertips and wove together with string. The small rings, with a white-pearl color, throb like whirlpools in this new series that evokes the vitality of coral, which takes a variety of forms, memories of the departed, and a sequence of cosmic associations.

大垣美穂子／Mihoko Ogaki 「#2 untitled 1」

タイトル　　：#2 untitled 1 制作年　　　：2004 素材　　　　：紙、色鉛筆 紙サイズ　　：130×130㎝ 額装サイズ　：160×160㎝ ※額装込み 「記憶の編み目 ― Invisible Threads」 人はなぜ、過去を見つめるのでしょうか。 私たちは、日々多くのことを経験しながら、そのすべてを言葉にできるわけではありません。記憶は時にかたちを変え、薄れていきながらも、私たちの内側に確かに残っています。 「Invisible Threads」では大垣美穂子と熊谷雲炎という異なる表現手法をもつアーティストが、それぞれの視点で「目に見えない記憶の痕跡」をたどります。 大垣は、沖縄の珊瑚に触れた体験とコロナ禍の記憶から、生命の連なりと再生のエネルギーを編み出します。 熊谷は、感染症と免疫にまつわる身体の記憶を、古代文字と墨のレイヤーによって可視化し、無意識の深層に沈む祈りを浮かび上がらせます。 二人の作品は、それぞれ異なる素材や文脈から出発しながらも、どこかで交差し、私たちに静かに語りかけます。 見えない記憶と記録、それらをつなぐ「編み目」のような感覚に、耳を澄ませてみてください。 大垣美穂子「UZU」　　2020〜2021年 2020年から2021年にかけて、新型コロナウイルス感染症の世界的蔓延が長期化する中、制作した立体作品。 戦時中、多くの命が失われた歴史がある沖縄。その沖縄に訪れた際、砂浜に打ち上げられた珊瑚の骨に、手を触れたことが着想のきっかけとなっている。硬いブロンズではなく、しなやかな弾力性のある劇脂粘土を、指先で糸を編むように形成している。ホワイトパールに染められた小さな輪が渦巻きのように躍動し、さまざまな群体を形成する珊瑚の生命力、死者の記憶、宇宙との連なりを想起させる大垣の新たな立体シリーズである。 Title : #2 untitled 1 Year of creation : 2004 Material ： Paper, colored pencil Paper size ： 130×130㎝ Framed size ： 160×160㎝ *Including framing Exhibition Theme “Invisible Threads: The Weave of Memory” Why do we look back on the past? As human beings, we go through countless experiences every day—yet not everything can be put into words. Memories shift in form, fade over time, and yet, they remain deeply embedded within us. In Invisible Threads, two artists—Mihoko Ogaki and Unen Kumagai—with different styles of expression will trace the "invisible traces of memory" from their own perspectives. Ogaki draws inspiration from her physical encounter with coral on the shores of Okinawa and the collective memory of the COVID-19 pandemic, weaving together a sense of life’s continuity and the energy of regeneration. Kumagai visualizes bodily memory related to disease and immunity through ancient script and layers of ink, revealing prayers that lie quietly in the depths of the unconscious. Although their works originate from different materials and contexts, the works of these two artists intersect somewhere and speak to us quietly. Please try listening carefully to the sense of the “weave" of invisible memories and records. Mihoko Ogaki “UZU” 2020〜2021 This series of three-dimensional works was made as the global spread of novel coronavirus grew more protracted Okinawa's history includes the loss of countless lives during the war. And Ogaki was inspired to make these works by touching some coral skeletons that she found washed up on the beach during a trip to Okinawa. Instead of using hard bronze as a material, she chose supple and resilient polymer clay, which she shaped with her fingertips and wove together with string. The small rings, with a white-pearl color, throb like whirlpools in this new series that evokes the vitality of coral, which takes a variety of forms, memories of the departed, and a sequence of cosmic associations.

三浦かおり／Kaori Miura 「物語の量を測る」/ Measure the story's quantity

タイトル：物語の量を測る 制作年　：2024 素材　　：ミクストメディア サイズ　：サイズ可変（本体 420×190×200） Title : measure the story's quantity Year of creation : 2024 Material : mixed media Size : variable size（ main body 420×190×200 ） Concept 人が物事を理解しようとするとき、物語として情報が入ってくると理解しやすくなるという。 起承転結で構成されたある程度まとまった文章にすれば、小さな物語にはなる。物語の文法にのせて吸収した情報は、実際どの程度の理解度なのか。 1冊の本を外側と内側を分けて天秤に乗せて比べてみる。タイトルも覚えていないくらい軽いか、タイトルの意味ぐらいは覚えているのか、それよりももっと印象に残っているのか。 ＊「理性的な能力は物語に依存している。物語は将来を見通し、予測し、計画を立てて説明するのに大切な方法。私たちの経験や知識、思考の大部分は物語という形で形成されている。」認知学者：マーク・ターナー/Mark Turner (Cognitive Scientist) When people try to understand things, it is easier to understand them when the information comes in the form of a story. If the story is written in a somewhat coherent manner, composed of a beginning, middle, and end, it can be a small story. How much of the story is actually understood when the information is absorbed in the grammar of a story? Separate one book from the outside and the inside and compare them on a scale. Is it so light that you can't even remember the title, or do you at least remember what the title means, or is it more impressive than that? Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 5」/ Traces of crossing boundaries 5

タイトル：境界を越えたあと 5 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 5 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 4」/ Traces of crossing boundaries 4

タイトル：境界を越えたあと 4 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 4 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 3」/ Traces of crossing boundaries 3

タイトル：境界を越えたあと 3 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 3 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 2」/Traces of crossing boundaries 2

タイトル：境界を越えたあと 2 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 2 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Comcept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「境界を越えたあと 1」/Traces of crossing boundaries 1

タイトル：境界を越えたあと 1 制作年　：2025 素材　　：珪藻土、墨、水 サイズ　：90×90 Title : Traces of crossing boundaries 1 Year of creation : 2025 Material : diatomite, ink, water Size : 90×90 Concept 珪藻土のコースターの上にコップを置きインクを混ぜた水を表面張力がかかるまで満たす。1滴ずつ水を差し、溢れる瞬間を積み重ねたドローイング。珪藻土でも吸収できる水分量には上限があり、限界を越えればコースターからもさらに溢れる。表面張力は、一度限界値を超えたら元に戻れないもの。コースターも限界いっぱいまで水分を吸収したら、乾燥するまで相応の時間を要するもの。 溢れた痕跡を記録する。 A cup is placed on a diatomaceous earth coaster and filled with water mixed with ink until surface tension is reached. There is an upper limit to the amount of water that diatomaceous earth can absorb, and once the limit is exceeded, more water will overflow from the coaster. Once the surface tension exceeds the limit, it cannot be restored. Once the coaster has absorbed the maximum amount of water, it will take a reasonable amount of time for it to dry. Record the traces of overflow. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-6」/ Tall poppy syndrome 2025-6

タイトル：出る杭に光をみる 2025-6 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：273×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-6 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 273×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-3」/Tall poppy syndrome 2025-3

タイトル：出る杭に光をみる 2025-3 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：273×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-3 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 273×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-5」/Tall poppy syndrome 2025-5

タイトル：出る杭に光をみる 2025-5 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：225×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-5 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 225×158×16 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement float 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京) float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-2」/ Tall poppy syndrome 2025-2

タイトル：出る杭に光をみる 2025-2 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：149×210×20 Title : Tall poppy syndrome 2025-2 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 149×210×20 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-4」/Tall poppy syndrome 2025-4

タイトル：出る杭に光をみる 2025-4 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：149×210×20 Title : all poppy syndrome 2025-2 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 225×158×16 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

三浦かおり／Kaori Miura 「出る杭に光をみる 2025-1」/Tall poppy syndrome 2025-1

タイトル：出る杭に光をみる 2025-1 制作年　：2025 素材　　：パネル、パテ、クギ サイズ　：225×158×16 Title : Tall poppy syndrome 2025-1 Year of creation : 2025 Material : panel, putty, nails Size : 149×210×20 Concept 「出る杭は打たれる」という諺がある。私たちは「どんぐりの背比べ」でいなければならない。私たちの生活の中には暗黙の了解になっている習慣がたくさんある。周りと同じぐらいでなければならないというものもその一つ。時代は、個性が大事と言われて久しいが、協調性のもと画一的な反応や行動、同調した意見でないと潰されてしまう。それでも均されて個性を隠された表面から滲み出てくるものはある。 パネルに鉄釘を打ち込んだ。そこに補修用のパテを塗って表面を整えた。パテの水分は鉄の釘を錆びさせる。その錆は日々周囲を侵食して変化していく。 There is a saying, “A nail that stands will be hammered down.” We have to be on the same levels. There are many habits that are implicit in our lives. One of them is that we must be as good as those around us. It has long been said that individuality is important in our times, but if we do not react and act in a uniform manner under a cooperative spirit, or if we do not have a sympathetic opinion, we will be crushed. Even so, there are things that ooze out from a surface that is evened out and hides individuality. An iron nail was hammered into the panel. The surface was prepared by applying repair putty to it. The moisture in the putty makes the iron nails rust. The rust erodes and changes the surroundings day by day. Statement 「float」 私たちは、いつもスマホを持ち歩いていて、必要以上の情報を目にしている。情報は、多ければ良いというわけではなくて、目的のものや必要なものを見つけられないし、探しているはずが寄り道をしてしまう。この探し物をしている間に、注意力も集中力も、そして時間も絡め取られていく。 ネットワーク上に注意を引き止めておこうとする側、さっさと通り過ぎたい側。多くのことを短い時間に処理しようと咄嗟に判断することの繰り返しで、いくらでも溢れてくる情報に翻弄されてしまうのに、このデバイスを手放なすことができない。 意図が込められた情報は空気のように漂っていて、視界に入れさえすれば、人の潜在意識へ働きかけることができてしまう。私たちの意識は、必要な情報よりも個人の感覚に近い情報に引き寄せられて物事を見るようになり、“今ここ”をはなれてしまう。 パーソナライズされた情報を見せられて誘導されそうになる状況は、なかなか止めようがない。意図的に情報を操る誰かは、人が影響を受け、時間とエネルギーを向けてくれるたびに、どこかでほくそ笑んでいるのだろう。 この流れに身を任せてしまうと、私たちの手の隙間から本当に必要なものがこぼれてく気がしてならない。 三浦かおり 京都造形芸術大学卒業（現 京都芸術大学）。 2012年から横浜を拠点に活動。個展、グループ展多数。 アートと実会社との間を行き来する日常における違和感、余韻、気配、痕跡などをモチーフに制作しています。 個展 2025　float（EARTH+GALLERY／ヒルトン東京, 東京) 2024　識閾（obi gallery, 神奈川） 2022　ならされたところの凸凹（Gallery Camellia, 東京） 2021　しつこい幻（Gallery Hasu no hana, 東京） 2017　フツフツのそれが消えるまで（Gallery Hasu no hana, 東京） 2016　白い堆積（Gallery Camellia, 東京） 2016　いしきのそとのダンペン（HAGISO, 東京） 2015　unknown time（Gallery Camellia, 東京） 2013　記憶の果て（Gallery Hasu no hana, 東京） float We carry our smartphones with us all the time and see more information than we should. More information is not always better; you can't find what you want or need, and when you are supposed to be looking for something, you take a detour. Attention, concentration, and time are all tangled up in this looking for things. The side that tries to keep your attention on the network and the side that wants to quickly pass by. We are unable to let go of this device, even though we are at the mercy of an overflow of information, repeatedly making decisions on the spur of the moment in an attempt to process many things in a short amount of time. Intentional information is floating around like air, and as long as it is into the visibility, it can work on a person's subconscious mind. Our consciousness is drawn to information that is closer to our personal senses than to the information we need, and we are out of the “here and now. It is difficult to stop a situation where people are shown personalized information and are about to be led on. Someone deliberately managing information must be gloating somewhere every time people are influenced and direct their time and energy toward it. If we let this flow, I don't feel that what we really need will spill out through the gaps between the fingers of our hands. Kaori Miura Graduated from Kyoto University of the Arts. Based in Yokohama since 2012. My motifs are different feelings, afterglow, signs, and traces of everyday life, which move back and forth between art and the real world. Solo exhibitions 2025　float (EARTH+GALLERY / Hilton TOKYO, Tokyo) 2024　threshold of consciousness (obi gallery Kanagawa) 2022　Unevenness of the accustomed place. (Gallery Camellia, Tokyo) 2021　persistent vision (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2017　Flow out and become lost (Gallery Hasu no hana, Tokyo) 2016　white sedimentation (Gallery Camellia, Tokyo) 2016　fragments outside of consciousness (HAGISO, Tokyo) 2015　unknown time (Gallery Camellia, Tokyo) 2013　edge of memory (Gallery Hasu no hana, Tokyo)

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith7」

タイトル：monolith7 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith7 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith6」

タイトル：monolith6 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith6 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith5」

タイトル：monolith5 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith5 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.

熊谷雲炎／Unyen kumagai 「monolith4」

タイトル：monolith4 制作年　：2023 素材　　：フォトペーパー、古墨、煤 サイズ　：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ 時代や文化を超えた普遍的なテーマである「共生」と「精神のつながり」を、モノリスという形に象徴的に表現しています。スタンリー・キューブリック監督の『2001年宇宙の旅』にインスパイアされた「monolith」シリーズは、現代社会に必要な「ゆずりあう」「みとめあう」「たすけあう」「あゆみあう」という四つの言葉を作品に込め、日本人の精神の根底を伝えたいと考え、このテーマをもとに進化を重ねた3段階の作品を展示。 作品は、書道の技法を用い、特に平安時代に生まれた「仮名」の連綿技法を活かしました。文字や形が重なり合い、消え、融合し、新たな一体性を生み出す様子を表現します。時の流れ、記憶、多様性、未来への可能性を表し、時空を超えた「つながり」の本質を書に込めました。 熊谷雲炎 書家・現代アーティスト 古代文字を用い、その意味と形の調和を作品に表現しています。 書画と現代アートを融合させ、西洋化によって失われた「書画同源」の再生を目指しています。その根底にあるのは「メメント・モリ」。生命の儚さと死の避けられない現実を受け入れる考え方です。 作品に現れる墨の滲みは、人間関係や環境、生と死の狭間を象徴し、日本の「あわい」という概念を視覚化しています。 形而上的な心の動きを文字に託し、そのアプローチを通じて自身の信念や内面の探求を作品に反映させています。古代の文字を用いることで、現代社会への問いかけを行い、未来へのメッセージを紡ぎ出すことを目指しています。 Title : monolith4 Year of creation : 2023 Material ：Photo paper, old ink, soot Size ：130㎜×170㎜ The word ‘monolith’ The universal themes of “symbiosis” and “spiritual connection,” which transcend time and culture, are symbolically expressed in the form of a monolith. Inspired by Stanley Kubrick's “2001: A Space Odyssey,” the “monolith” series incorporates the four words necessary for modern society - “to yield to each other,” “to accept each other,” “to save each other,” and “to walk together” - into the artwork, with the aim of conveying the fundamental spirit of the Japanese people, and based on this theme The works were exhibited in three stages of evolution based on this theme. The works were created using calligraphy techniques, particularly the renmei technique of kana, which originated in the Heian period (794-1185). It expresses how characters and forms overlap, disappear, fuse, and create a new unity. The flow of time, memory, diversity, and the potential for the future are expressed in the calligraphy, which expresses the essence of “connection” that transcends time and space. Unyen kumagai Calligrapher and contemporary artist Using ancient characters, I express the harmony of their meanings and forms in works.By fusing calligraphy and contemporary art, he aims to revitalize the “Shoga Dogen” that has been lost due to westernization. At the root of his work is “Memento Mori. It is a way of thinking that accepts the transience of life and the inevitable reality of death. The ink blotches that appear in his works symbolize the space between human relationships, the environment, life and death, and visualize the Japanese concept of “awai. She entrusts the metaphysical movements of his mind to letters, and through this approach, his works reflect his own beliefs and inner explorations. By using ancient characters, he aims to question contemporary society and weave a message for the future.